Baby, De Susan Sontag


Por Nico Pose




Tres parejas de diferentes edades se hacen preguntas, se cuestionan, debaten, discuten, reflexionan, sufren, pero ¿por quién? Ni más ni menos que por el nene, su hijo. Por eso, la obra podría llamarse tranquilamente “Todo por mi hijo”, parafraseando una de las películas de Pedro Almodóvar. Todos hacen sus confesiones a un psicólogo, ausente en la escena, y es así, que la audiencia termina siendo la destinataria o jugando el papel de analista mientras los seis protagonistas cuentan sus angustias, miedos, nacidos por la incomprensión que les genera el comportamiento de sus hijos.


La escena es totalmente despojada, tan sólo un telón donde se proyectan los días de la semana que transcurren para comprobar que ellos asisten día a día al psicólogo. Así vemos cómo van pasando los días y escuchamos las confesiones más dispares. Las tres parejas están sentadas en línea: primero está la pareja madura, de entre unos 45-50 años; luego viene la más joven, de unos 30-35 años, finalmente, tenemos a la pareja más grande, rozando los 60 años o más. A medida que las confesiones transcurren, nos vamos dando cuenta los pocos resultados que va arrojando la terapia, por eso, los pacientes se enojan, discuten con el psicólogo, y se frustran. A medida que pasan los días, ellos van adelantándose con sus sillas dentro de un rectángulo marcado en el escenario. Cuando lleguen a la línea donde termina el rectángulo, escucharemos la confesión más drástica, trágica e inimaginable, y así se bajará el telón. Esta última confesión, inesperada, nos deja con un gusto amargo luego de todo lo que habíamos escuchado.


Baby, escrita por Susan Sontag, y publicada en 1974 en la revista Playboy, ilumina y carga de los más diversos matices a una problemática tan actual como la incomprensión de los padres hacia sus hijos, o mejor dicho, la creencia equivocada que tienen las parejas respecto de lo que sus hijos son, enfrentando lo que ellos quisieran que fueran a la realidad, y por consiguiente, exhibiendo sus frustraciones por no poder hacer nada para cambiar la situación y su negación a aceptar el verdadero estado de las cosas. Muchas veces las confesiones nos producen ternura, a veces, bronca, y también, hay mucho de humor, que aparece espontáneamente así como el drama, sobre todo cuando escuchamos atentamente a los que están hablando.


Bajo la impecable dirección de Lorena Ballestero, la obra se nutre de variados cortes y combinaciones en esos densos diálogos que no tienen desperdicio; es así que se turnan de diferentes maneras los protagonistas a la hora de hablar, a veces, sin un orden aparente, retomando el tema que había dejado inconcluso alguno de los otros, y otras comenzando con un nuevo conflicto. Es por esto que la obra se nutre de una pluralidad de voces que recaen siempre en la misma obsesión; el nene. La polifonía se acentúa gracias a la humilde puesta de la obra, dándole preeminencia al texto, ya que éste es tan rico, que se basta a sí mismo sin tener la necesidad de ser sostenido por ninguna escenografía desbordante.









Ficha técnico artística




Autoría: Susan Sontag


Dramaturgia: Lorena Ballestero


Actúan: María Inés Howlin, Silvina Katz, Leonardo Murúa, Leonardo Odierna, Eduardo Pavelic, Elida Schinocca


Maquillaje: Carolina Ramos


Diseño de escenografía: Laura Rovito


Diseño de luces: Ricardo Sica


Musicalización: Luis Cano


Diseño gráfico: Laura Rovito


Asistencia de dirección: Carolina Ramos


Prensa: Tehagolaprensa


Producción: Luis Cano


Dirección: Lorena Ballestero




ELKAFKA ESPACIO TEATRAL




Lambaré 866 Capital Federal - Buenos Aires


Reservas: 4862-5439


Entrada: $ 40,00 y $ 30,00 - Viernes - 21:00 hs - Hasta el 09/06/2010





















Nueve, De Lisandro Colaberardino




por Nico Pose



No hay muchas obras de terror en la cartelera actual. Es difícil decir que las obras de terror abunden, por lo general solemos encontrar más obras dramáticas y los subgéneros que se desprenden de ellas. Nueve es una buena noticia para los amantes del género, porque sin sangre y con mucho suspenso genera escalofríos. La historia es sencilla: recién casados Ema y Adrián se mudan a un piso para comenzar su vida matrimonial. Ambos están felices y todo parece marchar bien, hasta que una vecina-que tiene un hijo discapacitado-se entromete en la vida de la pareja. La casa comenzará a emitir ruidos extraños, y la vecina tratará de calmar a la chica que se queda sola mientras su novio trabaja. Una mala energía hará que la pareja comience a decaer cuando la chica está embarazada y empieza con toda clase de paranoias, desde las pastillas que le recomienda su vecina hasta los médicos que la atienden durante el embarazo.

Ambientada en los años 60, la obra homenajea explícitamente al El Bebé de Rosemary de Polanski, y para quiénes hayan visto el film, no se llevarán grandes sorpresas con respecto a la historia de la obra. Sin embargo, la música merece una mención aparte, porque es la que provee todo el efecto de nerviosismo y tensión, desde que la obra comienza hasta que termina. Se puede decir que la musicalización es excelente, y además, Nueve, se mueve como un film, ya que está organizada en base a pequeñas escenas, y su ritmo narrativo es más el de las películas que el de las obras de teatro. Es por esto que la obra trabaja con los guiños clásicos del cine de de terror.

Nueve sin tener una historia original, experimenta más con los efectos que puede producirle al espectador que con los matices del género de suspenso y de terror. Con actuaciones sobrias, una gran fotografía-hay que remarcarlo-, y una adecuada escenografía, junto a los excelentes efectos de sonido, la obra transcurre con el suspenso necesario para generar alteraciones sorpresivas- gritos, extraños ruidos, caras con sonrisas endemoniadas, paranoias violentas y escenas típicas del género -en su densa marcha.



Ficha técnico artística


Dramaturgia: Lisandro Colaberardino

Actúan: Juan Barberini, Sebastián Duarte, Sandra Rennis, Rocío Rodríguez Presedo

Vestuario: Robinson Oberti

Escenografía: Damián Benávoli, Paula Cortés

Iluminación: Rocío Caliri

Maquillaje: Elizabet Gora

Edición de sonido: Alex Del Río

Video: Laura Casabe, Mariano Tozzini

Música original: Lucía Díaz, Pablo López de Armentia, Juan Perelló

Fotografía: Lucrecia Oviedo

Arte: Natalia Garcia, Robinson Oberti

Prensa: Tehagolaprensa

Dirección: Lisandro Colaberardino



LA TERTULIAGallo 826 -Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos: 6327-0303Web: http://www.latertulia.on.to/

Entrada: $ 35,00 y $ 25,00 - Viernes - 21:00 hs - Hasta el 14/05/2010





FUERZA BRUTA de Diqui James










Por Jimena Repetto


Fuerza Bruta es uno de esos espectáculos que dan ganas. Ganas de moverse. Ganas de bailar. Ganas de transitar los espacios que recorren los bailarines y actores. Zambullirse. Girar en el aire. La compañía, creación de Diqui James (uno de los fundadores de De La Guarda) y Gaby Kerpel ( compositor musical de De La Guarda), presenta ahora su espectáculo en Buenos Aires antes de salir nuevamente a recorrer el mundo. Así que es más que una buena oportunidad para verla.
¿Pero cómo transcurren las cosas y por qué es tan nombrado este grupo? Para empezar porque reúne a un grupo de talentosos trabajando en función de ideas simples, en su simpleza brillantes... y en su brillo deslumbran. Y el talento no sólo se refleja en los actores y creadores, también se traslada a todos los que colaboran a armar los escenarios, coordinan los tiempos y hacen que la sopresa crezca cuando se borran las marcas del hacer. Es decir, todo está tan bien cronometrado que no da tiempo a que nadie piense en el artificio ante la belleza de los actos.
En la sala Villa Villa del Centro Cultural Recoleta, se genera un clima dinámico, rítmico, donde se opera entre la ternura y la saturación, donde los sujetos se desarman en sus pasiones para reencontrarse en la armonía. Es decir, de la brutalidad de la sujeción a la rutina de un hombre que camina por una cinta, al vuelo de mariposas de dos bailarinas aéreas contra una cortina iluminada, el espectador es llevado a transitar una serie de sensaciones que lo toman por sorpresa.
Tal es así que cuando del techo del espacio baja una pileta en la que vemos nadar a los artistas, lo que queda, después de la sorpresa, son las ganas locas de estar ahí, ahí arriba, de resbalar en el agua tibia.
Entonces no es casualidad el éxito de este espectáculo. La magia de encontrar el recurso y explotarlo en toda su potencialidad, utilizando luces, música y destreza física, hacen que cualquiera disfrute del sacudón de lo inaudito. Porque, en definitiva, qué es si no eso transgredir en el arte. Vale la pena ir a ver Fuerza Bruta. Vale la pena llevarse el disco y escucharlo. Y, como la sorpresa no se detiene, vale la pena volver…porque otra vez se va a quedar como buen espectador, con las ganas de tirarse a la pileta, girar en el aire y romper una inmensa pared de papel.






Ficha técnico-artística

Idea: Diqui James
Actores: Antonio Brea, Martín Buzzo, Clare Elliott, Ariel Freiria, Simona Jenkinson, Ivan Larroque, Tamara Levinson, Karen Lisondra, Laura Mesigos, Juan Martín Ozan, Muriel Rebora
Diseño de vestuario: Andrea Mattio
Diseño de luces: Edy Pampín
Diseño sonoro: Hernán Nupieri
Proyecciones: Roberto Volpato
Música: Gaby Kerpel
Asesoramiento coreográfico: Ana Frenkel
Prensa: Natasha Tieffenberg
Producción técnica: Fritz Latzina
Producción general: Agustina James
Jefe de escenario: Fabio Daquila
Dirección técnica: Alejandro García
Coordinación general: Fabio Daquila
Dirección: Diqui James, Gaby Kerpel









POR EL LADO MAS BESTIA de Pablo Mikozzi

Por Marilyn Botta

El mundo que nos rodea no deja de sorprendernos y el Sr. Mikozzi, actor y humorista, nos trae a escena una serie de personajes con los que Por el lado más bestia de cada uno, nos recrea su visión de la vida. Utilizando la técnica del bufón, con estos exponentes de la variada fauna urbana, actúa un monólogo donde no falta ironía, referencia a la actualidad, humor ácido y provocativo, y la mirada crítica a la sociedad.

A éste grupo lo integran un hombre temeroso y precavido que con una antena en la cabeza, está atento a todo lo que pasa a su alrededor listo para enfrentar cualquier ataque y nos da unos consejos que no son tan prácticos como divertidos. Un duende callejero, comiquísimo, nos hace un relato de sus andanzas por las calles que son para él su hogar; con descripciones muy reales de sus experiencias como trapito, ayudante en una iglesia y hasta filósofo. Hay una chica muy top que… tipo que…nada, no tiene ningún interés en hablar con nosotros. Está el fanático de internet que deslumbra con sus conocimientos cibernéticos haciéndonos conocer que la verdadera diversión de la vida pasa por la pantalla de una computadora, los jueguitos, las páginas porno y estar prevenidos para contestar al facebook la pregunta ¿en qué estás pensando? Un portero anti-putos que los castiga teniendo sexo con ellos. El barrabrava que descubre un nuevo sentido a la vida cuando conoce a su psicólogo. Un animador de fiestas infantiles, poco hábil en su tarea de alegrar el cumpleaños de una niña sordomuda, pero con gran habilidad para descomponer al público de risa con sus juegos.

“Busco mostrar el ‘lado b’ que todos tenemos dentro…. Creo que todos tenemos un lado marginal y peligroso, otro paranoide y represor, pero caminamos derechos para que nadie vea nuestra parte más oscura, nuestra parte más bestia. En el show desnudamos a los personajes, los dejamos expuestos y sufrimos y reímos con ellos, mostramos con naturalidad y elocuencia las contradicciones y la locura de la ciudad, de personajes desmesurados y aberrantes, pero peligrosamente reales. La idea es poder reírse de lo peor, decir aquello que todos tenemos ganas de decir pero no podemos…” comenta Pablo Mikozzi

¿Elegir un personaje? Imposible, realmente todos son geniales. Es un espectáculo muy divertido y recomendable. Las risas del público no cesan en ningún momento, y es bueno que así sea, porque después de ver la obra seguramente tendrán que contener la risa cuando dentro de ésta variada fauna urbana que transitamos a diario, se crucen con algún personaje al que identifiquen por su lado más bestia.


Ficha técnico artística:

Interprete: Pablo Mikozzi
Asistencia de Dirección: Igor Garfias
Sonido: Nicolas Diab y Igor Garfia
Iluminación: Salvador Aleo y Carla Givaninni
Producción Ejecutiva: Anita Lüscher y Andrés Giardello
Asistencia en escena y vestuario: Pedro Terra
Dirección Artística: Tino Tinto
Idea y Dramaturgia: Pablo Mikozzi
Diseño Gráfico: Pablo Bolaños
Prensa: Silvina Pizarro.


Dónde: Teatro Moulin Blue, Rodríguez Peña 411.
Cuándo: Sábados a las 23.30.
Entrada: $ 40.






El Anatomista, de Luciano Casaux

Las llaves del cielo y del infierno
Por Perez Artaso Ariana.

El Anatomista, la novela, fue escrita por Federico Andahazi a fines de la década de los 90, escandalizando a un par de señoras que no encontraban en su obra literaria ninguna exaltación de los valores más altos del espíritu humano. De los más altos no, claro.

En dicha novela se cuenta la historia de Mateo Colón, un anatomista del Renacimiento que, enamorado fatalmente de una prematura prostituta, emprende la colosal búsqueda de las llaves que le abran su corazón. Pero en lugar de esto lo que descubre es la femínea América: espacio que lo arrastra y envuelve dentro del cielo y del infierno de una vez y para siempre.

El Anatomista, la obra de José María Muscari, se estrenó el pasado siete de abril en el pomposo y alejado Teatro Regina Tsu, en una adaptación realizada por Luciano Casaux, que tamiza la historia original con pinceladas personales que captan esencias pero no pretenden fidelidades.

Con música del premiado Gustavo Santaolalla, destacado vestuario de Renata Schussheim y recursos audiovisuales de Diego Casado Rubio, El Anatomista de Muscari reparte las cartas de un pasado Renacimiento en el que el clítoris se daba el lujo de ser un NN. Una tierra prometida a la espera de su tardío descubridor, que poco entendería de su contenido y particularidades. Hombre, Mateo Colón, que tuvo la audacia de darle un nombre a una de las tantas claves femeninas: el Amor Veneris.

El clítoris entonces: descubierto por un hombre en lugar de una pócima de amor y juzgado por otro en nombre de Dios. Pequeño secreto el Amor Veneris, escandaloso asunto político, causa de placer y sanación, de muerte y tragedia.

La obra trascurre de a retazos y encausada con las diversas voces de un mismo narrador. Como jugando a contar una historia, los personajes van indicando el momento en que desean detener su desarrollo, hacer una aclaración y cambiar de escena, empujándonos afuera y robándonos el compasivo “había una vez”. Sacudidas éstas que se hacen recurrentes y que van dejando de ser curiosidades escénicas.
No satisfechos con tanta crueldad, los actores cortan sin pedir permiso el ficcional relato con desgarradoras alusiones a sus vidas personales, que recuerdan fría y lejanamente a la bellísima Los Mansos o a la enternecedora Escoria, que jugaban a lo mismo, pero de una manera más dulce y suave. Tal vez todos estemos descubriendo las mejores formas en cada acto. Mientras, que el que mire pague su precio.

Destacables las actuaciones de los actores en escena, encargados de desplegar un texto cargado que se disfraza de comicidad e ironía para contar cosas terribles, que dolerían bajo otro código.

Dónde: Teatro Regina Tsu, Av.Santa Fe 1235.
Cuándo: Miércoles a sábados a las 21hs. Domingos a las 20hs.
Cuánto: Desde 70$.

Ficha técnico-artística

Actúan: Alejandro Awada, Antonio Grimau, Alejandra Rubio,
Walter Quiroz, Sofía Gala y Romina Ricci.
Vestuario y Arte: Renata Schussheim.
Escenografía: Marcelo Valiente.
Música: Gustavo Santaolalla.
Iluminación: Gonzalo Córdova.
Realización de video: Diego Casado Rubio.
Fotografía: Gianni Mestichelli.
Diseño gráfico: Edgardo Malan.
Asistente de dirección: Héctor Bordoni.
Dirección: José María Muscari.

Fuente/Fotos: Blog El Anatomista


Más obras dirigidas por Muscari:
Escoria -el lado B de la fama-, de José María Muscari.


AMORAR de Eloísa Tarruela

Por Marilyn Botta


Cuando el amor deja de ser mariposas en la panza, se convierte en otra cosa. No se pierde, se transforma. Algo así explica Julia, refiriéndose a lo que alguna vez una ex novia le dijo a Ulises para explicar por qué estaba terminando con él. Concepto que más adelante Julia también iba a experimentar con Ulises. La reciente ruptura amorosa entre ellos, será el punto de partida para un relato que atraviesa los distintos momentos vividos por la pareja. Amorar es la reconstrucción de una historia de amor, dónde cada uno de los protagonistas, Julia y Ulises, relatan su vivencia de la historia.

Amorar está escrita y dirigida por Eloísa Tarruela, quién también se pone en la piel de Julia. La acompaña Julio Bambill que interpreta a Ulises. Julia, es una contadora con deseos de convertirse en escritora, apasionada por la poesía de Pizarnik, Jacques Prévert y Rimbaut. Ulises es escritor y poeta, ama la literatura. A él le gustan los cuentos oscuros como Onetti y Arlt. El amor de ambos por la escritura, unido a una cadena de infinitos sucesos que en un tiempo y un espacio lleva a que dos personas crucen sus caminos, hizo que se conocieran. Julia llega a la casa de Ulises a tomar clases de escritura, al poco tiempo se viene a vivir con él, y después de unos años se separan. Es interesante la observación sobre el punto de vista de cada uno de los personajes, cómo dos personas que se amaron, se recuerdan a la distancia de modos diferentes. Los mismos momentos vividos vistos desde dos ópticas distintas. Contando el día en que se conocieron, las sensaciones, las palabras, las miradas, los detalles, lo que amaron del otro, y el día en que ellos decidieron separarse. Amorar es una obra en la que seguramente todos podemos encontramos algún punto de identificación. Habla de los momentos alegres y difíciles por los que pasa cualquier pareja. Es entretenida y por momentos también divertida. Hay diálogos interesantes, en los que se mezcla la poesía y la literatura. Los personajes transitan las distintas situaciones del pasado con la ayuda de las luces y el vestuario, contando una historia que nunca deja de ser clara y ágil.

Cuando las mariposas vuelan de la panza, el amor se convierte en otra cosa. Ahí es cuando hacemos un balance y mirando hacia atrás recorremos la historia. Inevitablemente pensamos en lo que fue y en lo que pudo ser, recordamos detalles, repasamos palabras, y nos quedamos con nuestra visión subjetiva de la historia. Ya no tenemos al otro, pero siempre vamos a tener nuestros recuerdos, a los que podemos volver para reconstruir mentalmente esa historia como hacen Julia y Ulises en Amorar.

Ficha Técnico Artística

Dramaturgia y Dirección: Eloísa Tarruella
Intérpretes: Julio Bambill y Eloísa Tarruella
Voz en off Victoria: Gaia Rosviar
Producción: Andrés Gato Martínez Cantó
Asistencia de Dirección: Nahuel Martínez Cantó
Entrenamiento Actoral: Ludmila Rapoport
Diseño de Iluminación: Patricia Battle
Asesora Escenográfica: Mercedes Pérez Sabbi
Diseño de Vestuario: Rosanna Cristaldo
Diseño de Sonido: Luis Corti Adriano Mantova
Música Original: Juan Matías Tarruella
Coach de baile: Victoria Acevedo
Fotografía fija: Martín Gerardi Estudio KPH
Diseño Gráfico: Julio Bambill
Prensa: Silvina Pizarro
Duración: 65 minutos.

Funciones: Sábados a las 21 hs.
Teatro El Bardo, Cochabamba 743.
Entrada $40 (Estudiantes y Jubilados $30).






PRINCIPE AZUL de Eugenio Griffero
Por Marilyn Botta


Era habitual que en nuestra infancia nos contaran cuentos de amor entre príncipes y princesas. Pero hay otras historias de amor que por lo general no están narradas en los cuentos, hablo de una historia de amor entre dos príncipes, de eso se trata el musical de cámara Príncipe azul.

Todavía en el año 2010 hay gente que paralizada por la vergüenza, o por el miedo a enfrentar la situación, limita sus sentimientos dejando pasar la oportunidad de vivir el amor verdadero. Si para algunos es difícil en nuestro tiempo, podemos imaginarnos cómo hubiera sido tener una historia de amor entre dos hombres en 1900. Príncipe azul es una de esas historias, y nos narra el encuentro de estos enamorados treinta años después. Juan y Gustavo vivieron un amor de juventud que decidieron no continuar, pero prometieron volverse a encontrar en la misma playa que fue testigo de su felicidad. El temor y la emoción de ese reencuentro revela los más profundos sentimientos de estos hombres, que aferrados a estos recuerdos parecen no haber logrado el desarrollo personal. No resulta fácil enfrentarse con el paso del tiempo que puede ser algo cruel, tampoco con la tristeza de un amor no concretado. Basada en textos de Eugenio Griffero, con dirección de Rubén Cuello, Marcelo Durán y Manuel Feito dan vida a estos personajes sensibles y llenos de nostalgia. Las canciones acompañan el desarrollo de la historia que además tiene un texto bello y crudo que va creciendo igual que la tensión de los personajes que con dolor y romanticismo contagian al público, haciendo que Príncipe Azul sea una íntima poesía de amor. Con una mínima escenografía que nos hace sentir frente al mar, la pieza se basa en las emotivas actuaciones.
Esta obra, fue estrenada con éxito en 1982, algo bastante arriesgado teniendo en cuenta que eran tiempos de dictadura. Se mantiene muy actual porque más allá de girar en torno al conflicto de un amor homosexual, se refiere a los fracasos que cometemos todos cuando no somos fieles a nuestros deseos y sentimientos reales, tan esenciales como es el amor.

Las historias de los cuentos de amor entre príncipes y princesas, que nos contaban en nuestra infancia, siempre tenían un final feliz. Pero existen otras historias, esas que generalmente no están narradas en los cuentos. En estas historias, que pueden ser la de cualquiera de nosotros, si los protagonistas se animan a vencer los prejuicios y condicionamientos sociales que son obstáculos para cumplir sueños, también puede haber un final feliz.

Ficha técnico artística

Interpretes: Marcelo Duran y Manuel Feito
Música: Rony Keselman
Letra de canciones: Matías Puricelli
Coach Vocal: Patricio Arellano
Escenografía y Vestuario: René Diviú
Maquillaje: Carolina Oclander
Peinados: Cristóbal Rentería
Diseño de Luces: Puricelli – Cuello
Diseño de Sonido: Bruno Padrones Rossi
Fotografía: Julián Tiberio
Diseño de Logo: Andrea Aboud
Producción Ejecutiva: Domique Oclander y Rubén Sibilia
Producción Comercial: Viviana Escanez
Asistente de Dirección: Sergio Rodalao
Dirección General: Rubén Cuello
Prensa: Silvina Pizarro

Sábados 21 hs.
En Los Angeles Multiespacio
Corrientes 1764
Entrada $50






Festival a Beneficio: A escena por Chile

Revista Siamesa te invita al siguiente evento para que puedas disfrutar y colaborar.


Festival a Beneficio…

A Escena Por Chile
Organizan Yoska Lázaro - Diego Del Valle.

Festival a beneficio de los damnificados por los terremotos de Chile.

A partir del viernes 9 de abril hasta el domingo 2 de mayo. En el Espacio Cultural El Laberinto del Cíclope. Sito en México 1718, casi esquina Solís. Con la participación de diversos grupos y artistas.

Las entradas costaran $20 la platea general, y, a partir de la compra de entradas para más de un espectáculo, el valor se reduce a $15 cada localidad.

El fruto de lo obtenido será destinado a la reconstrucción de:

HOSPITAL CLINICO HERMINDA MARTIN

http://hospitaldechillan.cl/

C.Cte. Nº 52109118826 a nombre de:

HOSPITAL CLINICO HERMINDA MARTIN, Banco Estado Agencia Chillan.

Participan del festival los siguientes espectáculos:

- Viernes 9-04

21hs: Cámara Lenta (teatro)

23:30hs: Desiderata (música)

- Sábado 10-04

17hs: El Show de Corchito (Magia)

23:30hs: Salto a escena - Monólogos y escenas (teatro)

- Domingo 11-04

20hs: La Espuma (teatro)

- Viernes 16-04

21hs: El Gran Jorge (magia y humor)

23:30hs: Los Errores de Noé (teatro)

- Sábado 17-04

17hs: Caperucita Roja (infantil)

21:30hs: Socorro me caso (teatro)

23:30hs: Mosaico de Sombras (teatro)

- Domingo 18-04

17hs: Blancanieves (infantil)

20hs. Las Mujeres de Mauricio (teatro)

- Viernes 23-04

21hs: El público quiere saber de que se trata (teatro)

23:30hs: Anteo en la Habana (teatro)

- Sábado 24-04

17hs: Caperucita Roja (infantil)

21:30hs: Farsa del Cajero que… (teatro)

23:30hs: Fuera de Juego (teatro)

- Domingo 25-04

20hs: Dios los cría y el mate los amontona (teatro)

22hs: Puro Grupo (música)

- Viernes 30-04

21hs: La Pecera (teatro)

23:30hs: Proyecto Maria (música)

- Sábado 1-05

17hs: Aladino (infantil)

21:30hs: Cinta Sketch (teatro)

23:30hs: Rafa Casado (música)

- Domingo 2-05

20hs: Acto escolar (teatro)

22hs: Zambayonny (música/humor)


Para mayor información dirigirse a:

www.ellaberintodelciclope.blogspot.com

aescenaporchile@gmail.com

15-5629-5149 / 15-6152-4059


Saverio, el Cruel. De Roberto Arlt.

Cuando la gente se aburre es principalmente de ellos mismos. (Eric Hoffer)

Por Gisela Ayram.

Vivimos en un país donde un presidente, bajo el miedo de ser caratulado como tal, llegó a hacer un spot publicitario para comprobar que no es aburrido, aunque solo faltaba verlo intentando irse de un set televisivo por salidas equivocadas para demostrar que era todo un comediante (que supo como hacernos llorar a todos). ¿Qué es el aburrimiento sino una cosa para vencer? Pero… ¿Hasta donde se puede llegar para cumplir con el objetivo del entretenimiento?

Un grupo de niños bien resuelven montar un acto, una realidad paralela con el fín de romper con su aburrimiento. Saverio, el joven trabajador, vendedor de manteca, será persuadido por los jóvenes, no solo de jugar un papel en esta invención sino también de ser la carne que sacia el tedio en la mesa de los ricos: el protagonista de una verdadera historia de amor, locura y muerte.

Susana, la organizadora de la farsa, finge ser una reina que ha enloquecido. Los personajes testigos y cómplices le siguen la corriente, al punto de hacer del mantequero un general quien, según la historia en la cabeza de la loca reina, desea verla decapitada. Saverio acepta el papel y lo hace suyo, haciendo volar su imaginación hasta construirse a si mismo como un dictador implacable, cruel, sangriento… y con guillotina propia pues ¿Cómo es que se hace para gobernar sin cortar cabezas?


El desarrollo argumental de la obra de Arlt transcurre en un doble plano, entre el contexto miserable que poseen los personajes y el soñado, concientes de que los mismos son producto de sus deseos y frustraciones. El ida y vuelta entre estas dos partes, presentes en las obras dramáticas del autor, dan como resultado una superposición, interacción o intercambio entre una por la otra: la cotidianeidad por la ensoñación, la realidad por la fantasía.

La brecha entre las clases sociales, de cómo el poder imaginario puede transgredir al hombre, hasta donde puede llegar una farsa con el objeto de entretener y cual es el final del juego son solo lecturas superficiales en el texto de la obra que es rica en concepto y en forma. Es definitivamente un desafío para quienes disfrutan el razonamiento de lo humano, del quienes somos y hacia donde podemos llegar creyéndonos otra historia, o asumiendo un papel distinto al que nos configura la sociedad, nuestro entorno y educación.

La obra es llevada adelante por el grupo Punto de Fuga bajo la dirección de Guillermo Ferraro. Aquí más sobre el grupo y la obra, con un trailer de la misma: http://www.grupopuntodefuga.blogspot.com/

Ficha técnico artística

Autoría: Roberto Arlt

Actuan: Rosario Albornoz, Eugenio Erretegui, Paula Ettedgui, Ariel Guazzone, Pablo Guises, Luciana Procaccini, Soledad Rodríguez

Voz en Off: Carlos Bisigniano

Vestuario: María Verónica Durán

Prensa: Alicia Accinelli

Dirección: Guillermo Ferraro

En: ANDAMIO ´90

Paraná 660 - Capital Federal

Teléfonos: 4373-5670

Web: http://www.andamio90.org

Entrada: $ 30,00 y $ 20,00 - Viernes - 21:00 hs

Se la puede ver hasta el 27/08/2010


Samantha
Por Gisela Ayram


Como el aleteo de una mariposa, una nariz que se mueve, ¿Puede cambiar el mundo?

Samantha, la hechizada.La blonda bruja encubierta detrás de su Darrin con su madre, su tía, su padre.

Una inmortalidad por la que todos matarían y unos poderes con los que muchos podrían.


Una mujer con poderes, que tiene una identidad secreta, que combate contra los quehaceres hogareños enemigos de las mujeres de hoy. Puede que nos cueste encasillarla dentro de la categoría de superhéroe, pero sin dudas tiene condimentos que la caracterizan como tal.


La historia de Samantha se remonta hacia los años 60’s donde Darrin Stephens, un joven publicista, se casa con Samantha quien en su noche de bodas le confiesa que es una bruja. Darrin no puede creer lo que su esposa le cuenta, pero comienzan a pasar cosas extrañas y situaciones hilarantes a causa de los poderes de Samantha. Darrin le pide que no use sus poderes, de hecho Samantha vive una especie de rebeldía pues intenta vivir su vida como una simple persona normal pero las situaciones la obligan a tomar la salida fácil usando sus dotes de bruja, a veces a favor de Darrin, pero casi siempre provocando enredos.

La descripción de Samantha no seria completa sin dedicar al menos un párrafo a su madre Endora. Ella es partidaria de la utilización de la magia y de la correspondencia de magos entre magos. De más está decir que Endora margina a Darrin por su condición de mortal, lo cual genera un fuerte conflicto entre Darrin y su suegra quien hará todo lo posible por complicarle la existencia y convencer a Samantha de que nunca le haga caso.

A todo este panorama, podemos adherir a la vecina metida: Gladys kravitz, que nada tiene que ver con Lenny, pero que si se parece mucho y conserva la mecánica del personaje de Raquel Ochmonek (léase “Oukmonik”) vecina de los Tannen en la serie ALF. Gladys está pendiente de todo lo que ocurre en la casa de los Stephens e intenta convencer a su marido de las locuras que ocurren en lo de los vecinos. Por supuesto, el ingrediente es, como sucedía en ambas series, sus maridos (Abner en el caso de “Hechizada” y Trevor en el caso de “ALF”) atribuyen esta especie de visiones a demasiada inhalación de elementos de limpieza o bien a la alocada imaginación de su mujer.

La serie fue emitida originalmente por la señal norteamericana ABC en sus 8 temporadas entre 1964 y 1972. Hechizada cuenta con varias remakes en países como India, Japón, chile, Reino Unido y Argentina, interpretada por Florencia Peña. Pero la historia no termina allí, pues también existe su Cómic, un dibujo animado realizado por Hanna Barbera, la serie Thabitha emitida por menos de una temporada en 1977 y la película filmada en el 2005 protagonizada por Nicole Kidman y Will Ferrell.

Elenco Original:

Elizabeth Montgomery (Samantha Stephens)

Dick York (Darrin Stephens) (1964–1969)

Agnes Moorehead (Endora)

Alice Pearce (Gladys Kravitz)

George Tobias (Abner Kravitz)

Erin y Diane Murphy (Tabatha Stephens)

Greg y David Lawrence (Adam Stephens)




Postal de vuelo de Rubén Santagada


Por Nico Pose

Un hombre se despierta. Es un menesteroso que duerme en el aeropuerto, o lo que queda de un aeropuerto, que tose continuamente, y que otra vez se acuesta para continuar su reposo. Luego llega otro hombre, elegante, mostrando su fina estampa. Lo despierta al menesteroso y se saludan como si se conocieran hace años; de hecho, se conocen. Luego va a llegar un clásico canalla, que dice que ha tenido que interrumpir la milonga para llegar hasta ahí; y también una hermosa mujer.

En el escenario vemos un lugar donde se acumulan muchas valijas viejas, una cinta transportadora al fondo, y una mesa con sillas en primer plano.

Todos están reunidos como para continuar el ritual que vienen sosteniendo hace años: la partida de póker. Pero el juego no va a ser más que una excusa-para que en ese aeropuerto que no funciona, o sea, no lugar, porque no tiene otra función más que acumular a menesterosos o locos-, ya que mientras se preparan para jugar y luego durante la partida, estos cuatro personajes no harán más que dialogar, como invita el espacio que construye el azar. De esta forma es cómo se van perfilando los caracteres, desde el canalla que es seducido constantemente por la rica mujer, cuya vida está repleta de hastío, hasta el dandy esteta que se la pasa hablando de las características de la pampa, y que como un niño juega a escuchar el sonido del despegue que efectuaban antaño las turbinas de los aviones en un pequeño grabador. Pero a medida que dialogan, surge un gran problema, el único que parece importarles a todos más allá de los otros que tienen en su vida: el menesteroso está delicado de salud, debe hacer un gran esfuerzo para jugar, y por ende, peligra la partida. Nadie está dispuesto a abandonar el ritual que los ha movido hasta allí. Pero cuando ya se ha iniciado la partida, y conocemos los delineamientos de cada personaje, aparece la famosa postal. La postal es parte de una apuesta entre el canalla y el menesteroso. Nunca conoceremos qué significa esa postal que seguramente alguna mujer le mandó al canalla y que él la atesoraba como un diamante eterno, como su recuerdo más preciado. El problema es que el menesteroso, se muere jugando, a menos de la mitad de la partida. El cadáver tenía en sus manos un póker de ases. Ante el asombro de los otros tres, el dandy comenta que ahora empezó a tener la suerte que se le negó en vida. La partida se termina. Por más esfuerzos que hagan para tratar de conseguir a otro, saben que es imposible, el ritual, el encuentro, la excusa de acompañarse ha terminado.

Con grandes actuaciones, que singularizan los rasgos de cada uno de los personajes, Postal de vuelo -Premio casa de las Américas 2005(Cuba)-mediante una partida de póker representa la crisis existencial del hombre. Son ellos, que a través del juego tratarán de olvidar sus penurias y el presente que atraviesan, justamente en un aeropuerto abandonado, donde confluyen los recuerdos de tiempos mejores.




Ficha técnico artística

Texto: Victor Winer
Actuan: Alejandra Brol, Jorge Capussotti, Santiago Ojea, Alejandro Rivarola
Vestuario: Julia Camejo
Escenografía: Julia Camejo
Diseño de luces: Marcio Santagada
Operación de luces: Gabriel Ramis
Asistencia de dirección: Nicolás Baruj Conde
Prensa: Tehagolaprensa
Dirección: Rubén Santagada

TEATRO DE LA FÁBULA
Agüero 444
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4862 - 6439
Entrada: $ 30,00 - Viernes y Sábado - 21:30 hs - Hasta el 19/06/2010







Ala de criados, de Mauricio Kartun



Aburrida crueldad
Por Perez Artaso Ariana

“Buenos Aires se agita en la Semana Trágica.
Una huelga salvaje. En Mar del Plata las familias de la aristocracia porteña se refugian aterrorizadas. Un club de tiro a la paloma frente al mar.
Una historia de disparos y sexo entre las rocas.
En los salones con boiserie. Y en el ala de criados... Bomba bomba: el amor es un atentado ácrata”.


La metáfora es cosa de putos. Contundente, Tatana inicia su eterno y exacto monólogo. Es ella, una estudiante viajada recién llegada a la Argentina, la que lleva sobre sus hombros el relato de la historia que propone Ala de Criados, pero con la libertad –o apenas la licencia- de poder entrar y salir de aquella, escribiendo las crónicas de su exótico viaje. Y lo hace con la fuerza que sólo saben demostrar ciertas mujeres.
-Esto, entendámonos, es una comparación, que vendría a ser algo así como la prima sana de la metáfora-.

La metáfora le explota a Tatana en las manos, en el cuerpo todo, cuando aparece Pedro Testa, cuentapropista y sirviente que habita en el ala de criados, un infalible eyector de palomas y de tiros, en todos sus sentidos.

La obra, escrita y dirigida por Mauricio Kartun, se contextualiza en la Semana Trágica, allá por 1919. Tatana y sus primos viajan a Mar del Plata escapando de la revuelta desatada en Buenos Aires, enviados por su familia, un grupo ejemplar de “gente bien”, miembros de la clase alta que defiende los valores conservadores y que forman parte de la Liga Patriótica Argentina, conjunto paramilitar erigido con la consigna violenta de aniquilar la revolución social de, para ellos, detestable impronta bolchevique.

Mundo conservador el de los Guerrero, que no permite que se le rece a la bragueta de ningún capitán y que se avergonzaría de ver entrar a la nena en el ala de criados para convertirse trágicamente en poeta. Pero los Guerrero saben guardar secretos y atrapar en ellos a los miembros de la familia que quedan prendados con eso mismo que no se puede decir.


Brillantemente actuada por los cuatro actores que con precisión encarnan el denso texto de la obra, Ala de Criados nos habla de una época –aquella, ésta-, de la barbarie en plena civilización, de las pasiones y la soberbia locura de sentirse impune ante todo: los bichos andan, hacen y deshacen con sus patéticas vidas guionadas por el tata, figura latente en toda la obra, pero jamás visible.

Con descarnada fiereza, Kartun va trazando el devenir de los personajes, que dan rienda suelta a su crueldad, tal vez movida por el puro e insoportable aburrimiento. Lo mismo da; una paloma, una tonina, un hombre. Se mata para entrenerse. Se mata por lo que sea, menos por amor.

Dónde: Teatro del Pueblo. Av.Roque Sáenz Peña 943.
Cuándo: Viernes 21hs (40$ y 20$)/ Sábados 21hs (40$)/ Domingos 20hs(40$ y 25$)

Ficha técnico artística

Actúan: Alberto Ajaka, Esteban Bigliardi, Rodrigo González Garillo y Laura López Moyano.
Escenografía: Graciela Galán.
Vestuario: Gabriela A. Fernández.
Iluminación: Alejandro Le Roux.
Diseño de movimiento: Luciana Acuña.
Diseño de sonido: Guillermo Juhasz.
Asistente de escenografía: Valeria Cook.
Asistente de vestuario: Julia Kovadloff.
Escultura de: Walter Lamas.
Asistente de escultor: Paula Livpovsek.
Asistente técnico: Alan Darling.
Operador técnico: Juan Manuel Noir.
Asistente de dirección: Gabriela A. Fernández.
Dirección: Mauricio Kartun.